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ADRIÁN GAITÁN DISPONE – COMENTARIO SOBRE LA EXPOSICIÓN/DISPOSICIÓN EN LA GALERIA RYM – 2012.
Serie Mamíferos.
Hemos heredado el impulso a necesitar. De ello también hemos heredado todo un patrimonio empresarial. Somos el recipiente donde ha caído todo el plan progresista de los últimos siglos. Escurrido y cuajado, podrido se come en los altos círculos; quesos malolientes, finas leches y productos que ninguno de nosotros ni siquiera tendrá la oportunidad de oler. Pero ahí están, ¿Dónde? En el mismo planeta. Su imagen está ahí, también; congelada en el tiempo; anteriormente las etiquetas eran pintadas a mano; Iconografías heredadas. Empaque y muestre, el producto empezó a necesitar un rostro, un logo. Pronto se necesitará otro planeta para ellos, los productos con perfil emocional. En fin.
Pintadas sobre patéticas telas, la serie mamíferos de Gaitán toma varios momentos de la imagen y de ahí su fuerza. Gaitán acostumbra a in-estabilizar la imagen. El arte in-estabiliza. Algunas de estas piezas ya habían sido expuestas con anterioridad pero solo en el presente las dispone, las ofrece sin temor, están en posición de salir, se han desarrollado gracias precisamente al trabajo del artista. Sin embargo un cambio operó: el marco. Ha sido criticada la decisión de proteger las obras en marcos de cristal, como si estas ya no tuvieran un marco de cartón.
Creo que tenemos que entender que una imagen nunca está sin marco y de ahí que no importe que este enmarcada y que a su vez tenga otro marco y otro marco. Es decir, el espacio museístico, el museo, la ciudad y el mundo son marcos. Por ello estas piezas continúan teniendo la importancia que habían tenido.
El decorado por patrones que roba de telas de mantel y cortinas nos interpela, pues en dichas imágenes es lo único a lo que estamos a acostumbrados a ver. De allí que use también residuos y escombros de madera y demás; solo esas instancias son nuestras. La iconografía en cambio nos aleja, nos lleva a un supuesto más allá: El círculo del deseo, el lugar del dinero, la visa para Europa y Estados Unidos.
Los residuos incluidos en la imagen son los que hacen posible su inestabilidad; se compone y se engaña. Se engalana con lo que hay. Es como un enamorado sin dinero, cositero y ordinario, fino y superficialmente limpio.
Marcos.
Empezamos a entender el engaño aun cuando este es obvio, cuando detenemos la mirada. Todo ver es detener el mundo; El engaño no está en los marcos de cartón de Gaitán, sino en la ostentosidad de la imagen convencional; las vallas de muchos metros, los letreros alumbrantes, la costosa disposición de la imagen en el mundo. Empezamos a entender el engaño aun cuando es obvio; y muchas veces anhelamos el truco; lo pasamos por alto.
El accidente en el cartón entonces parece un fino escudo de armas o el fino escudo de armas parece un accidente de cartón; hermosos decorados de abstracción vegetal que se pueden lograr en oro y en basura; ramificaciones y el deseo de componer llenando el espacio vacío, como lo explica Gombrich.
Todo nos interpela directamente cuando vemos los marcos gruesos y violentos de Jabón Rey y Cancha de tenis; Todo montón puede parecer cualquier cosa, porque ahí está nuestra condición humanoide de querer ver. Otro punto interesante es la relación entre el azul íntegramente limpio con la basura completamente sucia[1]. Como dice el vulgar dicho ¿Quién perfuma un bollo?
La imagen entonces a la vez que es enmarcada es des-enmarcada; cuando detenemos la mirada y vemos; vemos el marco, la galería, la ciudad y sus calles escombradas y el mundo; aunque para ver el mundo no nos baste esta vida y la otra.
Virutas de borrador
Las virutas de borrador son usadas en estas piezas a pesar de que no se usa el lápiz. No han borrado nada (evidente) pero están ahí. Y se han convertido en un vuelo de cuervos, en corona de espinas, es tapa de olla, etc. En este caso son cuervos. Rescatar este material es parte de la importancia de las obras de Gaitán, es quizá su conciencia de las cosas que le hacen componer de la manera que compone. En Ductos nasales destruye todo intento de definición, pues podría tener tantas connotaciones que cada una de ellas es tonta e incompleta. La pieza es por ello de mucha vitalidad. Las cosas en la imagen giran en torno a un conjunto de materiales ignorados, a los que la pretensión de belleza tan plástica y tan pobre les ha dado la espalda.
La Sala.
El juego Tapete-Asiento-Lámpara es la imagen más inestable de la muestra, pues es la que nos hace desear el engaño. Se pone en evidencia nuestra naturaleza, nuestra disposición a poner precios y preguntar costos. Nuestra incapacidad de flotar y nuestra incapacidad de tan siquiera USAR las cosas; otra vez creo que el engaño no está en estas piezas, sino en los objetos que se desean (en nosotros). En la imagen que queremos y el truco que comemos. Las piezas de Gaitán ponen al descubierto dicho mecanismo. Oportuno.
Una alfombra de tierra que se acomoda a la definición tradicional, pues alfombra significa conjunto de cosas que cubren el suelo; y es que el suelo mismo es una alfombra, así como todo lo que sobre él cae y reposa (el polvo, el césped, el concreto). Esta imagen es entonces inmaterial y revela que todo está suspendido de nada; es una imagen doble por su apariencia y su inmaterialidad. La lámpara con bolsas llenas de agua en la cual el agua y el cristal comparten propiedades de transparencia y pureza; brillo y sutileza, incoloro es un conductor de luz por excelencia: de ahí que no importe que sea una lámpara o una fuente luminosa. (A modo personal me recuerdan las limonadas empacadas en chuspa de los restaurantes y los domicilios en los cuales se cuelgan dichas bolsas y las decoraciones con discos compactos).
En esta ciudad durante esta navidad se hicieron árboles navideños con rabos de botella plástica, se hicieron faroles con tubos y se premiaron las cuadras mejor decoradas con los logos de marcas como Aguardiente Blanco del Valle y Claro. La navidad cambia sutilmente de materia; si bien, siempre se han utilizado diversos materiales para crear los adornos, hoy es mucho más evidente pues no fue solo en barrios sino en emplazamientos públicos. Grandes árboles de rabo-de-botella, un alumbrado lleno de logotipos y letreros. Han metido las marcas camufladas en la luz. Pero alumbran y es lo importante, es cristalino y es lo importante, es recursivo porque no hay para más. Adrián Gaitán, como artista que es, logra evidenciar una serie de problemas del entorno; manifiesta su postura frente a la materia y a las cosas; creo yo, relegando el concepto a su construcción. Desdeñando la definición en pro de la imagen y de la obra: un nuevo objeto que no es ni lo uno ni lo otro.
[1] Aunque quizá ya el sucio natural de las cosas haya sido extirpado, por seguridad e higiene de los coleccionistas.
LA LETRA PEQUEÑA ES GRANDILOCUENTE.
Primer Número de la LETRA PEQUEÑA…
Recordando a Bosé es una obra anecdótica en la cual el autor, Orlando Mejía Rivera, bajo la excusa del recuerdo, narra la historia de Ricardo Valenzuela en su primer semestre de Medicina en la Universidad de Caldas. Creo que podemos considerar varios puntos a favor de la primera propuesta escenográfica; por ejemplo el hecho de usar el recuerdo para crear literatura; se apela entonces a la idealización nostálgica de dicho recuerdo (y más en una novela que raya en lo auto-biográfico), se mitifica entonces la juventud. Esta idealización escapa al realismo, pues en el recuerdo las cosas se vuelven palabras en el intento de concretizar y volver a atrapar lo que se fue (operación contraria al sueño, en el cual las palabras se vuelven cosas o imágenes).
Al volver las cosas en palabras se crea un relato de pocos elementos y de muchas alusiones (ilusión, alusión, alucinación), estas alusiones son constantes en la novela, casi que la inclusión de la música y de la literatura son desesperadas formas de ambientar al lector en una época definida por Mejía entre la bohemia de los ochenta en Manizales y el amor juvenil. Otras cosas-palabras aludidas para ambientar son los conflictos políticos en la Universidad, las revueltas en contra de Turbay y la condición de amistad o camaradería. Sin embargo como dije anteriormente, estas alusiones son muy artificiales, casi que textuales.
De esta manera la escenografía y los elementos se proponen como una idealización de los espacios, en cuanto al quiebre de los límites. Quebrar los límites de un lugar es volverlo No-Lugar y es esta la primera consideración de la propuesta. Como tal No-Lugar es inconcebible se propone la herramienta audiovisual llamada casualmente Sin-Fin. El Sin-Fin es un lugar en blanco sin referentes espaciales u objetuales; por tal razón no permite la comparación de tamaños entre las cosas ni la concretización de un lugar específico. En conclusión la propuesta pretende que el piso, el fondo y los laterales sean blancos, la iluminación debe cuidar el efecto de totalidad, pues no es un espacio en el texto o entre textos, sino un No-Lugar. Estos espacios blancos serán pintados con luz, según se dirija el recuerdo y la situación. La fuerza del No-Lugar se da entonces en relación a los lugares aludidos por medio de iluminación, actuación y elementos esporádicos que aparezcan en escena.
“LO LEGITIMO Y LO SAGRADO” – ENSAYO SOBRE ARTE/INSTITUCIÓN – SAGRADO/LEGITIMO. REFLEXIÓN EN EL MARCO DEL VIII FESTIVAL DE PERFORMANCE, EN CALI – 20121.
El arte es incriticable – o – “El arte no tiene la culpa de sus instituciones”.
El arte como tal es inabarcable y no se puede criticar, aunque si se pueden criticar las instituciones. El artista es la máscara entre lo profano y lo sagrado; es el médium y por medio de él se materializa el arte y por medio del arte se materializa él mismo. Siendo institución y siendo artista se puede criticar2.
Creo que las instituciones, las organizaciones y dispositivos formales (circuito) también merecen un continuo examen. No sobra decir que las manifestaciones estéticas en tanto son universales como naturales al hombre son inabarcables, escapan a un programa positivo o a políticas de culturización3. Sin embargo la paradoja es que, a nivel histórico, el arte solo es posible en el agenciamiento de su institución.
Con respecto a los artistas, Gombrich manifiesta que el arte como tal no existe, que tan solo hay artistas4 en una posición análoga a la planteada al inicio de este texto. No es posible probar que existe el arte como tal pero si es posible probar que hay hombres que viven en pos de una búsqueda de sentido, lo cual demuestra el carácter utópico del arte (y el carácter necesariamente utópico de la plenitud) y la importancia de la performatividad del artista en su propio tiempo.
María Teresa Hincapié manifiesta con mucha razón que lo sagrado es lo que tiene Sentido, aquello que le da sentido a cada persona es sagrado. No es necesariamente la religión ni necesariamente la iglesia5. Es en la búsqueda de sentido que el hombre usa su tiempo, realmente. El artista entonces se mueve entre una búsqueda de sentido permanente, una búsqueda estética permanente: no solamente decora en diciembre, no solo pinta para sus tareas. Se mueve también entre la competitividad de un campo, difícil y hermético como lo es el campo del arte.
El arte es incriticable porque de lo que debemos hablar es de los artistas, de sus procesos (hasta donde el cronista sepa6) y de las instituciones que se encargan de hacer circular los objetos artísticos ya legitimados.
En este sentido he hecho hasta el momento una distinción entre la búsqueda de sentido de todos los seres humanos, búsqueda de lo sagrado; y que dicha búsqueda puede ser estética – en la permanencia de las preocupaciones estéticas – y por otro lado el proceso por el cual las instituciones confieren legitimidad y respaldo a dichas manifestaciones.
Los mismos artistas actúan como institución, pues son individuos que agencian un discurso; El chileno José Joaquín Brunner plantea el esquema de las políticas culturales según la relación entre las instituciones y los agentes, creo que en el caso del arte los agentes (artistas) son instituciones ellos mismos, pues agencian un momento del discurso por medio de su propia exposición. Este agenciamiento de la palabra no es más que su postura plástica. Otra forma de pensar en ello es el intercambio entre artistas, pues son ellos mismos críticos e influyen en el proceso de sus colegas.
Por último vemos que existe la paradoja que del arte no se puede hablar, este no responde ni tiene culpa de lo humano, pero en tanto se hable de lo que vemos y tenemos, en nuestros campos (contextos) hablamos tangencialmente del arte. Hablar en este caso es mentir, postular estados temporales de la mentira; y por ello no somos mentirosos.
Lo sagrado.
“¿Por qué remonta el águila su temerario vuelo
cual siquiera intrépida al mismo sol llegar?
¡La unión es imposible! Dios quiso colocar
las aves en el aire, los astros en el cielo.”
Eustaquio Palacios – Alférez Real.
“Gaviota soñadora que entre nubes
sobre las grises aguas tiemblas, subes”
James Joyce – Ulises.
El gesto7.
Durante el VIII Festival de Performance en Cali, un grupo de artistas decidieron hacer un cuadrado y estar ahí sin hacer nada. Durante media hora; el cuadrado se desfiguraba, se ampliaba, unos no resistían y otros se sumaban. Mucha gente se asomaba a ver que estaban haciendo y cuando se daban cuenta que no estaban haciendo nada se marchaban a ver otras acciones. Intento de No-Acción.
Este gesto produjo una reflexión un tanto cursi de mi parte, pues la imagen del grupo de artistas era una imagen análoga a gente rezando; incluso muchos de ellos tenían la cabeza agachada; realmente era una actitud muy extraña. Al darme cuenta de que se trataba de un cuadrado y una No-Acción (o un intento de cuadrado así como un intento de No-Acción) pensé que dicho intento reflejaba la importancia del festival en nuestro contexto. En ese momento sentí que el festival de performance tiene algo más allá de su legitimidad como institución y que permite algo más allá de arbitrariedades y tonterías.
Esta obra que llamaré La no-acción, como acción en “el lugar donde ocurren múltiples acciones” reunió aquellos cuya vida precisamente está en el Hacer. Los artistas (entre los cuales vi a artistas jóvenes ya muy reconocidos en la ciudad).
El gesto de quedarse quietos manifiesta una actitud de recogimiento en sí mismos, en sus propios cuerpos, independientemente de sus oficios o vidas cotidianas (independientemente del Continuum de sus Vidas). Quizá en sus mentes se dedicaron a contar los números como jugando escondite, quizá meditaron; no se sabe. Sin embargo este gesto se abrió entre los demás como un llamado de atención. Hubieron muchos espontáneos improvisados el día de la Jornada de Performance; y análogamente al que dice que para decir bobadas es mejor callar, este cuadrado quizá expresó: que mejor que hacer bobadas, es mejor no hacer nada (o hacerlas todas).
Lo sagrado.
Sagrado es una palabra extraña que suena muy pesada para el contexto local del arte (y demás). Lo sagrado apela al santo más que al héroe (interesante paralelo que me fue referido por Cesar Santa-Fe, pintor y maestro Caleño) y con ello se relaciona con lo vocacional más que con la hazaña8. El gesto del Cuadrado de Artistas a mi modo de ver demostraba que el festival aparte de legítimo fue un espacio con mucho sentido (dejando atrás la palabra sagrado, cuyas connotaciones siempre sonaran con campanas y togas). Dicho sentido apela a que son muchos aquellos que correspondieron con el lugar y el momento. Hubo acciones importantes y otras no tanto. Los artistas, creo yo, sintieron en el acontecimiento la oportunidad de exhibición y con ello le dieron la importancia que el festival merecía. Sin embargo cabe preguntarse cuántos de ellos viven en un performance continuo, es decir, quienes entre todos ellos desayunan-almuerzan-comen siendo artistas9. Esta performatividad del artista es la misma que vemos en la vida de los maestros cuyos actos y pensamientos nos han parecido dignos de ser relatados y mitificados en lo que se llama Historia del Arte.
Recordemos cómo los profesionales del Performance (de los cuales ninguno actuó en el festival, profesionales en el sentido de reconocimiento e importancia de sus trabajos) reconocen el cotidiano y la vida misma del cuerpo como instancias a convertirse en entidades, en obras; por medio del registro. Recordemos también que la oralidad (la radio Bemba) y la historia es una forma de registro y que no solo el Video Loop en Vivo es capaz de registrar acciones (del que sea).
Ante la nitidez el monstruo muere. El mito, sobre-filmado y sobre registrado, ya no se produce. Sin embargo es harina de otro costal.
Con el gesto reseñado finalmente se da a entender la importancia del festival en nuestro campo, la necesidad de intercambiar las acciones (intercambiar acciones es conversar) y de registrar más allá que con cámaras y video, con escritura y sobre todo con mentiras. Mentiras acerca del festival, mentiras acerca de los artistas y muchas mentiras alrededor de lo que nos consta, o creemos que nos consta.
Lo legitimo.
… para ello tuvieron que instalar las industrias,
quebrar, morir, abandonar el lugar, dejar de barrer,
dejar de trapear;
tuvieron que instalar la baranda para que se ensuciara.
Para su gran instalación tuvieron que crear el sol.
Pintar de blanco las paredes.
Abandonar el mundo. La sensatez.
Cinco mil años después se hace posible este festival…
Fragmento de la Obra Caras Vemos.
El gesto.
Te compró tu Obra fue una intervención no programada en el marco del festival, en el cual un artista (Andy Guarro) canta una famosa y popular canción llamada Te compro tu novia cambiándole la letra pero conservando el ritmo. Es claro que la intención del artista fue criticar (y parodiar) el circuito del arte y sobretodo el mercado de obras. Sin embargo creo que esta obra o acción no logra su cometido por la ejecución y por la superficialidad conceptual de su planteamiento.
En primera instancia el artista no se disfraza, el artista es; y con ello quiero decir que, en cuanto al pseudónimo y la pinta tropical adoptada por el artista, no debe ser un atuendo que conlleve una carga semiótica previa; quizá sea un facilismo, por medio de un estereotipo llegar a criticar el ya desvencijado mercado del arte en Cali.
En una famosa película llamada THE PRESTIGE (El truco Final), el protagonista Alfred Borden (Christian Bale), expresa que el mago no se hace en el escenario, sino que su truco empieza en casa; el truco no se hace en el show sino que el mago vive (en) el truco. Enrique Buenaventura llegó a decir que los juegos (teatrales) había que llevarlos hasta su última instancia. En este sentido la obra Te compro tu obra falla pues es una crítica muy superficial.
En cuanto a la ejecución técnica del registro, se hace un video clip bailando en las salas del Museo de Arte Moderno La Tertulia, cuando esta institución, se sabe, está en crisis económica; si crítica una opulencia-sin-sentido vale decirle al artista que ya no hay opulencia, ni mercado, ni sentido, ni nada y mucho menos con el campo artístico caleño como anda.
Cuando Andy Guarro se toma el micrófono en la Jornada de Performance, quizá en su intento por criticar el mecanismo del Festival, cae en una acción problemática; sin embargo creo que esta acción es una manifestación de la actitud de algunos, al considerar maligno el hecho de vender pues están por fuera de un circuito simplemente por no tener obras. Este argumento es bastante peligroso, sin embargo siempre he considerado que al artista en su vocación, le importa poco o nada vender sus obras; La plata no es el motor de su mirada (pero debe tener mirada). También se debe pensar que si por un lado existen obras que responden a un mercado, por otro, el artista debe tener la capacidad de reconocer la alianza que hace con públicos lego (que son la mayoria), muchos de los cuales compran obras convencionales; Además está visto que el mercado compra de todo; Oscar Muñoz expresa que todo es susceptible de ser comprado en este mundo burgués (o algo así dice10).
Lo legitimo.
La legitimidad de las instituciones del campo del arte es algo que apenas empiezo a explicarme; es legítimo un museo, una institución cultural, es legítimo un artista. El arte no tiene la culpa de sus instituciones y para ello están los artistas, para cuestionar y hacer; aunque para ello deban re-evaluar sus propias creencias e identificar aquellas que les son heredadas por la irreflexión y la superficialidad.
El VIII Festival de Performance en Cali es un lugar legítimo de exhibición con todo y sus inconvenientes y críticas que se le pueda hacer. Por ahí han pasado importantes artistas como lo son Rosemberg Sandoval, Fernando Pertúz, Wilson Díaz y Pierre Pinocheli entre otros, así como obras que a mi modo de ver son muy buenas como por ejemplo los planteamientos de Leonardo Herrera en cuanto al cuerpo-la imagen-violencia (por ejemplo la obra con tomàs Reyes, en la cual se apuntan con un revolver, hasta quedar cansados de ello).
Lo legítimo y lo sagrado.
Hacer lo que en nuestras manos esté hacer. Agenciamientos. Discurso. Conciencia del tiempo. Mentir.
Todo lo anterior es mentira.
B.Huertas.
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1Ensayo que desarrolla un punto del manifiesto vocacional del Proyeccionismo
2 La máscara no es ficción. Por tanto, nada tiene de comedia o caricatura. La máscara es, ante todo, comunión, vehículo que sirve para cambiar de personalidad, para mutarse y confundir en una sola entidad los vínculos con el “otro” (o “lo otro”). Es metamorfosis o trueque del genio y figura propios, por otro genio y figura. Por ende es metamorfosis en doble vía, es decir para convertirse en “otro” y para que el “otro” se convierta en el “uno”, en el ego primero. Por consiguiente, con la máscara se llega a otra realidad, advirtiendo que esta otra realidad es tan verdadera, tan cierta y tan “natural” como la primera, como la trocada o la metamorfoseada.De la máscara se regresa. Es un viaje de ida y vuelta, aunque en ocasiones es necesaria la permanencia para poder utilizar los poderes del “otro” con mayor eficacia y durabilidad…Barney-Cabrera: TUMACO, ABSTRACCIÓN Y REALISMO – Enciclopedia Salvat Historia del Arte Colombiano.Como nota extra cabe anotar que es tanto la presencia real del “otro” de la máscara, que los Calimas ponían pequeñas mascaras a sus máscaras; Que donde hubieran rostros representados como en sus narigueras, pecheras y máscaras, ponían a su vez pequeñas mascaras con narigueras y orejeras. Y estas a su vez tenían pequeñísimas máscaras en sus orejeras y narigueras.
3 Por ejemplo, el alfabetismo y el aprendizaje del inglés como segunda lengua manifiestan que muchos saben leer y escribir, aunque una especie de neo-analfabetismo se haya a nivel de sentido y en la simplificación de las condiciones humanas más que al nivel técnico de leer o escribir. (cabe preguntarse ¿Qué se escribe y qué se lee?
4 Gombrich, E.H – La Historia del Arte.
5 María Teresa Hincapié – Otras voces, Otro Arte – Diez conversaciones con artistas colombianos – Entrevistas por Diego Garzón –Editorial Planeta.
6 Incluso, a mi modo de ver, el mismo artista debe hablar de su propio quehacer y del de los demás. Y aun así, hablando él mismo, su propio obra no puede ser agotada en la totalidad. Recuerde que si siempre tiene la impresión de estar perdiéndose de algo, entonces bienvenido a lo Humano.
7 Cabría pensar la pertinencia de usar la palabra gesto, junto o en vez de acción.
8 Sabemos que hay intentos de desacralizar lo sagrado por medio de simulacros de irreverencia, y que incluso en la lucha de conseguir una buena irreverencia, muchos se desvelan y viven en función de irreverenciar con lo cual terminan aportando al campo importantes posiciones e importantes formas de hacer arte. De hecho la mayoría del arte nacional ha nacido de la parodia, pues hay un punto entre la parodia y el homenaje donde la imagen gana. Creo que todo arte es irreverente, pero su fuerza no lo da la intención del artista sino la pertinencia de la imagen, o entidad en el caso del conceptual.
9 Hacer un performance en el marco del festival de performance, es como solo hacer el amor el día del amor y la amistad.
10 Oscar Muñoz – Otras voces, Otro Arte – Diez conversaciones con artistas colombianos – Entrevistas por Diego Garzón –Editorial Planeta.
CARAS VEMOS – LIBRO OFICIAL DEL OCTAVO FESTIVAL DE PERFORMANCE – APUNTES TOMADOS DURANTE EL DESCENLACE DEL EVENTO.
Caras Vemos.
Caras Vemos es una pieza que consta de dos instancias diferentes; la primera es la muestra fotográfica de los participantes y la segunda es una serie de textos escritos en vivo durante la jornada de performance.
No pude hallar mejor lugar para escribir en directo. Desde donde todo lo podía ver nada podía ver; Tenía una panorámica de las bodegas; todos fueron llegando y las obras fueron siendo. ¿Dónde poner el punto? ¿Cuándo empieza una y termina otra?, A mi modo de ver, ni siendo el mismo artista se podría ver todo en la obra. La ausencia de visión y la sensación de ignorancia nos hacen humanos.
Las fotos del Álbum Oficial, la instancia donde se hallan las fotografías, son producto de un arqueo en redes sociales y bases de datos en internet. A partir de la lista de seleccionados en la página de Helena Producciones, se buscaron en Facebook las personas que respondían a los nombres publicados. Algunos artistas no tienen Facebook, otros al parecer no son los artistas sino sus homónimos.
En segunda instancia el libro consta de 25 páginas escritas en vivo, en lo que pretendía ser una crítica de arte escrita en el momento en que ocurrieran las obras. Se convierte entonces en un intento por ver, y sobre todo en una reflexión desordenada ante este problema, al parecer tan simple. Ver, Evento, Arte, Performance, entre otros, son conceptos abordados en el libro, así como algunas frases “Ingeniosas” en el juego In-situ.
A continuación cito algunas frases del libro oficial y el Link de descarga del PDF sin edición. Pido entonces paciencia ante los errores ortográficos, los errores de tecleo y el desorden de las divagaciones. El error no existe. La máquina de escribir (una Máquina Manual Brother Deluxe 1350) no tiene auto-corrección; está a medio camino entre Manuscrito y texto pleno. (Recuerde: el corrector de ortografía de Microsoft Office pone una línea roja debajo de nombres como Jaques Derrida y no debajo de nombres como Adam Smith).
– El universo entero es un lugar donde ocurren múltiples acciones.
– “Si usted hace una bobada, es un bobo. Si usted hace diez bobadas es un bobote; si usted hace 100 bobadas es terco. Si hace mil, quizá empiece a ser artista.”
– ¿A cuántas fotos por minuto funciona usted?
– … para ello tuvieron que instalar las industrias, quebrar, morir, abandonar el lugar, dejar de barrer, dejar de trapear; tuvieron que instalar la baranda para que se ensuciara. Para su gran instalación tuvieron que crear el sol. Pintar de blanco las paredes. Abandonar el mundo. La sensatez. Cinco mil años después se hace posible este festival.
– Dios está sentado en el cielo, sobre una torre de sillas Rimax.
– Hacer un performance en el marco del festival de performance, es como solo hacer el amor, el día del amor y la amistad.
– Se pandean, se desjetan, se quiebran y crujen, todas esas metáforas desvencijadas.
– ¡¡Se cayó la bola de espejos!! – ¡Salieron Chispas! – ¿Sin bola no hay rumba? – Sin bolas no hay arte.
– Desde aquí todo se ve, por ello no se ve nada.
– Haced y exhibid todos de él, tengo sed. Mañana estarás conmigo en el paraíso.
LINK:
LUTO CARECE DE OTRAS VAINAS – CRÍTICA SOBRE LA EXPOSICIÓN EN PROARTES, NOVIEMBRE 2012.
Una crítica a estas piezas gira en torno al uso superficial de los iconos de Cali. Ya que una cosa es saber traducir los imaginarios y el “Common Sense” de nuestra sociedad y otra cosa es poner el cerro de las tres cruces, cristo-rey y el chontaduro como alusiones tan superficiales que NOS CONVERTIMOS EN EXTRANJEROS EN NUESTRA TIERRA, incapaces de ver más allá; Parecemos gringos comprando cholaos.
El artista debe ser traductor del imaginario de la ciudad. El artista siente la brisa de la ciudad, una atmosfera que encierra una de las paradojas más grandes del arte: que es tan local y tan particular, que es universal y humano.
Luto carece de otras vainas.
Dibujos, afiches y otras vainas que no son otras vainas; El artista ha consagrado un estilo gráfico que lo acerca al diseño y nos expone unas piezas de muy buenos terminados, excelente ejecución y técnica. Es particularmente sui generis en Cali, ya que se ha visto la tendencia a “superar y evitar” el arte tradicional, la ilustración y la presentación en formatos tan “banales” como el afiche y el marco. Con esto quiero decir que vivimos un momento de intentos desesperados de crear arte, y con ello evidenciamos la insinceridad de ciertos creadores; Neurosis. Obviamente la noción de arte tradicional es tan traicionera como vacía, el temor a la ilustración que heredamos del conceptual se está superando y hoy se ha visto que los soportes “Exóticos” se agotan. ¿Qué queda detrás de todo ello?, pues procesos de creación, independientemente de su trascendencia son llevados a cabo. Lo vemos a diario en el arte internacional, pequeñas metáforas, obras extraordinarias en su simpleza. Las piezas de Luto son un afortunado proceso y lo más importante es que mantienen una coherencia temática. Aún sin poder llamarle estilo, vemos piezas consecuentes.
“Y más”.
El menú del día, las tiendas, las misceláneas, las comidas rápidas, las papelerías, ponen en sus avisos la expresión “…Y ALGO MÁS” en el mejor de los casos, o “alguito más” o “y mucho más”; en sus avisos incluyen la promesa de venta de lo indeterminado: aquello que no se buscó, pero que se encontró: la mejor de las compras. En el caso del volante de la exposición de Luto se prometen otras vainas, cosa que no se cumple.
Es sabido que el artista reparte mucho de su producción gráfica, que usa la distribución de publicaciones masivas y sus composiciones o diseños existen en su reproducción. El comic, de dónde saca muchas convenciones para sus piezas, el afiche, la revista (quizá haya que dejar de decirle FANZINE a todo eso) los personajes que desarrolla son testimonio de una práctica abierta y masiva; y la verdad pensé que durante la inauguración iba a repartir revistas o dibujos de su creación, como en otras oportunidades.
La gráfica.
A primera vista fue una exposición simple; sin embargo rescato la limpieza de sus piezas, la ejecución de la ilustración, que más que conceptos o discursos profundos del arte, tienen más bien una configuración local de diversas convenciones y herramientas propias del mundo de la gráfica.
Las convenciones tradicionales del comic se conjugan con los iconos y algunos de nuestros imaginarios caleños; A mi modo de ver, es muy necesario pensar el arte, pero también es necesario que existan artistas dedicados a trabajos coherentes, pues quiero pensar que su ilustración no debe quedar por fuera, por ser ilustración; Luto ha manejado una especie de línea que se ha relacionado con la creación de su Cine Club; No hay un límite que separe la imaginación y su práctica como artista del cine que ve; no hay una distancia entre sus gustos cinéfilos y lo que hace y por ello creo que disfruta realmente de lo que hace. El cine le da herramientas visuales, narrativas e incluso de estilo; Sus cuadros son por ello piezas refrescantes, muy bonitas además y con un sentido del humor en base al eje de oposición: FAMILIAR/NO FAMILIAR (¿cine?), incluso gira sobre la contradicción NIÑO/ADULTO, MONSTRUO/NORMAL. Cabe anotar que estos ejes son tópicos tocados por la producción del artista y que dejo por fuera el concepto de “Irreverencia”; noción sobre-dimensionada e incluso mal usada.
Muchos de los muchachos de la ciudad tienen una relación con la sociedad que les hace creer ser irreverentes, cuando la verdad nada de ello ocurre. Hoy la irreverencia sería altamente anti-social y delincuencial (el caos), por eso los irreverentes de hoy están en la periferia que Cali se ha empeñado en negar. Pero no me salgo más del tema.
Gringos comprando cholaos.
Una crítica a estas piezas y en general a muchos diseñadores que actualmente se gradúan en la ciudad es que usan superficialmente los iconos de Cali. Ya que una cosa es saber traducir los imaginarios y el “Common Sense” de nuestra sociedad y otra es poner el Cerro de las Tres Cruces, Cristo-Rey y el Chontaduro como alusiones tan superficiales que NOS CONVERTIMOS EN EXTRANJEROS EN NUESTRA TIERRA, incapaces de ver más allá; Parecemos gringos comprando cholaos.
El artista debe ser traductor del imaginario de la ciudad. El trabajo de Luto, que lleva bastante tiempo mirando hacia afuera, empieza a mirar pa´dentro, pero le falta bastante para llegar a sentir esa brisa, una atmosfera que encierra una de las paradojas más grande del arte: que es tan local y tan particular, que es universal y humana.
Familia.
Escandalizados trabajadores sociales y pequeños psicólogos recomiendan tener cuidado con el cine que se consume; cineastas preocupados por la moral edifican peliculitas de sello colombianas que buscan crear conciencia. Todo el mundo busca educar a todo el mundo, aconsejan, censuran, crean películas con fines morales, pequeños héroes que sonríen cuando compran un Yogurt simplemente porque en la caja registradora dice sonríe. Luto nos muestra otro cine, un cine que no quiere educar a nadie, un cine de consumo, como un perro caliente o un chorizo santarrosano; creo que es un lujo que uno debe darse, disfrutar de la recursividad del Serie B, de las temáticas superficiales, del absurdo y los héroes torpes. Aunque no sobra anotar que en muchas ocasiones lo superficial son nuestros ojos y no lo que vemos.
El logotipo de familia es la pieza que más expone la intención de artista, el juego entre el monstruo y el normal, entre el ciudadano bien y el ciudadano mal. El monstruo quizá ya no sea como lo pintan. Pero de todas formas es un buen logotipo. No quisiera saber que es un papel higiénico malo, en el mundo revés.
Conclusiones.
No hay última palabra. Hay unas piezas, huella de un proceso del artista que durante algunos años ha evolucionado en el uso de la gráfica y la técnica. El uso de nociones del diseño gráfico y la apertura al público que maneja como artista le hacen un personaje exótico tanto en su cine club como en su vestimenta. No sobra decirle que a veces no es suficiente con ello, quizá el trabajo continuo, en un medio tan problemático como este (el del arte), le lleve hacía un desarrollo conceptual más profundo o pertinente. Que siga dibujando. Me gustó mucho el nuevo logo de FAMILIA, le felicito por el grado.
OBJETOS ESCULTÓRICOS NO IDENTIFICADOS – COMENTARIO SOBRE LAS ESCULTURAS UBICADAS EN LOS PUENTES ELEVADOS DE LA AUTOPISTA SURORIENTAL CON CALLES 13, 15 Y 26. CALI.
Cactáceas.
En la Autopista Suroriental con calle 26 aparecieron unas esculturas de colores vivos, diseños de moderna pretensión decorativa; Esculturas sin señalización, con algunas rejas de protección y otras en espacio abierto. Rechazando la forma, estos objetos están izados casi que arbitrariamente en las “Zonas Blandas” del puente, parecen haber llegado un día del espacio, parece que fueron abandonados por alguien, incluso parece que alguien quiso decorar dichas zonas; pero como es usual, dicha intención quedo a medias.
Se trata de “…esculturas de figuras de naturaleza viva, especies de Cactáceas y de naturaleza muerta, troncos de árboles de color, tienen una estructura en hierro, la cual va rodeada con una malla de fibra tejida y sucesivas capas de fibra de vidrio y resinas de poliéster, con acabados de pintura de poliuretano.”[1]
El fin de este comentario no es cuestionar la temática cactácea de las esculturas pues toda iniciativa bien ejecutada puede demostrar pertinencia en todo contexto. Hace algún tiempo tuve una consideración acerca de estos objetos, que a mi modo de ver estaban abandonados; me parecían cosas toscas que no mejoraban para nada el decadente paisaje del lugar. Hay que saber que las zonas blandas de los puentes son zonas problemáticas, crisis sociales que no es de este blog abordar directamente; sin embargo creo que estas medidas estéticas son medidas desesperadas; una pretensión estética al servicio del maquillaje de la ciudad y el oportunismo de muchos funcionarios.
Zonas sin mantenimiento ni vigilancia, zonas de albergue que testimonian problemas más profundos – Aproveche, debajo del puente de la calle 26 con carrera 15 se alquila un espacio seguro; amoblado, cómodo y casi-privado –
El fin de estas Cactáceas ha sido de colgadero de ropa, ha ocasionado preguntas a los que pasan por ahí. Al preguntarles a los vendedores y habitantes del sector estos dijeron no saber de qué se tratan. Parecen árboles.
El otro vestigio de una intensión decorativa práctica y de menor cuantía, fue el uso de gravas de colores a modo de jardines artificiales; una grava que no es necesario cuidar ni regar, ni cortar ni limpiar; caminos estáticos, falsos espacios naturales entre los nuevos adoquines instalados en la ciudad. A parte de la grava se instalaron unas piedras puntudas, accidentado terreno (parte de la herencia visual del monumento de la solidaridad, con las piedras puntudas y toscas) para determinar una frontera de mucho estilo y sacar definitivamente la indigencia de estos lugares.
De buenas intenciones está empedrado el camino al infierno.
De buenas intenciones está empedrado el camino al infierno. Empedradas también están las zonas blandas de los puentes; Piedras puntudas y caminos y jardines que nadie cuida. Intentaron quitarle la cama al loco. Ahora cuelga sus cosas en el cactus de fibra de vidrio. Buenas intenciones/malas ejecuciones, medidas estéticas desesperadas.
B. Huertas.
[1] SELECCIÓN ABREVIADA DE MENOR CUANTÍA No. 4133.0.26.017-2011.
– PARA CONTRATAR “RECUPERACION PAISAJISTICA DE LAS ZONAS BLANDAS BAJO LOS PUENTES DE LA AUTOPISTA SUR ORIENTAL CON CALLES 13, 15 Y 26 EN LA COMUNA 9 DE SANTIAGO DE CALI, EN EL MARCO DEL PROYECTO BP 21043260” – 2011
FABRICANDO LA IMAGEN – COMENTARIOS SOBRE LA EXPOSICIÓN DE ERNESTO ORDOÑEZ EN LA BIBLIOTECA DEPARTAMENTAL DE CALI – 2012.
A Algunos les importa que sea verdad – o – el origen de la imagen (a modo de introducción).
En el mundo hay periodistas, también hay sujetos que están sujetos al dato y tienen la necesidad de un mundo comprobable y manejable. Estos sujetos le suelen atribuir a la imagen un cierto valor de verdad, la toman como una prueba irrefutable de algo, una forma de ilustrar lo que ya se sabía de antemano, lo dicho por un texto, extirpado de la figura. Estos sujetos no suelen ser los artistas que contrario a ello ven en la imagen un mundo tan complejo como el que forman sus propios ojos (otra imagen), ven la imagen en sincronía con el texto, con el mundo, la imagen total, la de la obra.
Ordoñez expone en la Biblioteca Departamental De Cali una serie de imágenes totales, un compendio de fantásticas tomas, mediadas por la intención de revelar lo artificial en lo fotográfico. Sabemos que la fotografía ha tenido en nuestra historia una tradición de índice o prueba de realidad, de este modo nos hemos inundado de imágenes y de fotos a tal punto que no nos damos cuenta que estamos repitiendo las figuras y las configuraciones, una y otra vez, como encerrados en un bucle. Inundaciones, asesinatos, destinos morales y educativos, la televisión para educar, guerrilla y violencia, policías y ladrones, goles y doping, piernas y reinados, etc. No hemos visto más a pesar de que tengamos la ilusión de una historia, la ilusión de más nitidez y una hiper-definición y de unos acontecimientos importantes. Es cierto que ha habido ciertos hechos polémicos, aparentemente trascendentales, exóticos o extraordinarios sin embargo siempre caen a un fondo común, a una fosa común de temas. Cabe anotar que no hablo de la realidad ni de cada una de las infinitas historias de vida de nuestra gente, como nos han etiquetado, sino más bien del digerido plato mediático donde no cabe lo particular, sino que más bien se repiten las tomas filmadas de viejas inundaciones y de viejas tomas guerrilleras, la imagen ilustra y de esta forma se doméstica.
Las fotografías de Colombia -en el Tiempo-, las postales de los paradisiacos lugares de este país, el reportaje de guerra, las carnales crónicas de Pirri (A quien se le ha comparado con Jaime Garzón) son figuras congeladas, iconos iconoclastas de una baraja de males que nos azotan y de bendiciones que nos bendicen; nuestra fauna congelada, nuestra guerrilla congelada, nuestra selección de futbol congelada, un país nevera.
La imagen Total y las funciones semiológicas.
Ordoñez expone en la Biblioteca Departamental De Cali una serie de imágenes totales, mediadas por la intención de revelar lo artificial en lo fotográfico. La fotografía como aquello que existió en un momento determinado o escritura de la realidad es puesta en cuestión con la pintura de Ordoñez, apelando a la idea de lo maravilloso con sutiles Impertinencias semióticas dentro de una imagen que previamente ha sido instituida por los dispositivos de comunicación masiva.
Es un tipo de surrealismo entendido como la ejecución de intervenciones semióticas dentro de la convención de realidad o dentro de su representación; lejos de la vanguardia que todos conocemos, este surrealismo es la herramienta clave en la pintura de Ordoñez y la que apela a esa idea de lo maravilloso; en este caso lo maravilloso proviene de dos cosas, la primera de ellas es la distancia que se revela entre lo cotidiano y nosotros cuando la escena está pintada (y no fotografiada, una sobre-mediación), y lo segundo son los detalles mágicos o extra-cotidianos que no identificamos como extremas “surrealidades”. Es un juego muy sutil el de Ernesto Ordoñez.
El cuadro de la pareja en el rio es una escena donde nada de lo representado es descabellado, ningún detalle parece ajeno a la propia escena, con naturalidad vemos el cráneo y los extraños acercándose, como una escena posible, posible dentro de todo lo que hemos visto en el global de imágenes que a diario recibimos. Todos los cuadros poseen esta ambigüedad, la ambigüedad de un posible pero extraño momento. En ese sentido son imágenes totales, pues niegan la realidad pero nos hacen creer en otra posibilidad. Es aquello que en literatura apela a lo fantástico o a la realidad que preferimos (recordemos los cuadros de Ordoñez donde el artista crea exóticas criaturas y las inserta en nuestro congelado ecosistema – usa postales y fotos -)
Nota sobre el color.
El color usado por Ordoñez es un color lleno de contrastes bruscos entre las figuras, casi sin matices suaves ni colores pasteles. Estos pasteles los usa solo en el caso de que la figura representada tenga esa carga patética y hermosa como por ejemplo las fachadas de las casas de barrio. El uso del acrílico denota una intención figurativa, una atención a la concepción de escena y concepción de lo extraordinario sirviéndose del colorido panorama tropical. Son fotos y nuevos escenarios pintados, donde el empaste y los valores plásticos pasan a un segundo plano en una buena ejecución del color. El resultado tiene que ver con las postales y las impresiones masivas en revistas y periódicos, a mi modo de ver la intención no es crear contemplativos paisajes ni manifiestos del pigmento, sino postales, nuevos suvenires, violentas formas de recordar un país levemente descuadrado. Por ende el resultado final de esta pintura obedece a un interés publicitario y semiológico del artista, que se complementa con sus propuestas escultóricas.
Titulaciones.
No es lo mismo titular una obra como SIN TITULO a dejarla literalmente sin ficha técnica ni pistas sobre su contenido, sin índice. Esta carencia de índice indica varias preocupaciones de Ordoñez que a mi modo de ver son, revelar la imagen como un producto de consumo, listo y predeterminado a los hechos históricos (recordemos que la imagen periodística se suele repetir) y también dejar al libre albedrío la interpretación del cuadro.
La imagen como producto no necesita de títulos, así como cada lata de sardinas no necesita de nombre, ni cada cliente de los supermercados necesita de su nombre a la hora de comprar. Por lo tanto Ordoñez sabe que el espectador que ve el cuadro identifica la imagen como una escena posible y familiar, una escena que a pesar de no saber de dónde viene, sabe leerla de antemano; o sea que Ordoñez se sirve de la misma repetición mediática para crear su propuesta plástica. Sin importar que sea mentira o no, la plantea, la pone ahí para que se lea una foto-en-una-pintura, con algo extraño, una leve apelación al asombro como dice Wilson Nieva.
En segunda instancia, Ordoñez deja al libre albedrío la interpretación de la imagen suponiendo que el espectador posee un conocimiento previo de la escena, pero también supone que este espectador es sensible a las condiciones de la imagen. Es quizá esperar mucho de la gente, quizá una confianza en los lectores y de su saber previo, confundirlos para que cuestionen y por fin entablen una relación critica con el cuadro y con el resto de imágenes que ven a diario. No hay índice, ni títulos, ni ficha técnica, no importa que sea mentira, ni que el público la lea mal; no hay lectura errónea sino acomodada, acomodada a la creciente indigestión visual de todos nosotros.
Neumático.
La propuesta escultórica de Ordoñez hace parte de una gran investigación en torno a la mimesis y la plastilina, a todo lo que conlleva la trampa de ojo y el material usado, además de la escogencia de los objetos trasparentados por su doble maleable y efímero. Experto en crear esos dobles, inquietantes y casi que malignos por manifestar nuestra simpleza perceptiva, Ordoñez expone esta vez un neumático con todo y parches de plastilina, denotando la capacidad para divertirse a la hora de crear la obra. Un juego que toma serias connotaciones y que cuestiona fuertemente el momento perceptivo de la imagen, es decir, pone en duda el momento en que asumimos las convenciones y tenemos certezas acerca de la naturaleza de las cosas. Esta es una de las operaciones más importantes no solo del trabajo de Ernesto Ordoñez, sino del arte en general.
B. Huertas.
